Tuesday’s Sessions
Repertoire Session 1: New Wind Band Works From North and South America
Imagine you are a kid with one crayon trying to draw a picture and someone suddenly presented you with a box of 12 crayons, each a different colour. Well, this is exactly what Jim Cochran did this morning when he presented the repertoire session. The University of Florida Wind Symphony was recruited as the “studio band” and each piece was conducted by a different guest conductor. It was a chance to showcase some young talents (in the form of David Waybright’s students) as well as some seasoned professionals (several band directors from the USA).
A wonderful “souvenir” which the participants received from this session was “The Repertoire Sessions” guidebook. In the guidebook, we are introduced to each piece through sample score pages with program notes and a biography of the composers. This was organized into 4 chapters representing each of the 4 repertoire sessions. All this through the courtesy of Jim Cochran who also conducted one of the pieces (rather passionately, if I may add). Needless to say, I will not do justice to the music we heard if I tried to describe it with words but the selections represented many different varieties which included elements of latin music, American folk tunes, introspective spiritual song and humourous musical reflection.
Insights From Composers
Adam Gorb was the chief presenter of this session which was originally supposed to have a main panel 3 composers: Gorb, Ito Yasuhide and Eric Ewazen but, somewhere between the coffee shop and the Esplanade Recital Studio, Adam managed to recruit 5 other composers including Fred Speck and Ralph Hultgren. It was a lively session where each composer had a chance to describe their journey to and through band music. Some of them also played samples of their work. I learned that band music’s main attraction for a composer (in contrast to orchestral music) is the chance to have your pieces performed many times.
The Conductor’s Problems From the Composer’s Perspective
Presented by Ralph Hultgren from Australia, this session was not so much a lecture as it was an encounter session. The audience was literally challenged to listen and feel music. We were required to respond to a recording with “emotion words” (such as “determined,” “fortitude,” and “relentless”) and not “analytical words” (such as “harmonic progression,” “form,” and “rhythmic structure”). Was there a method behind the madness? Of course. At some level, we as conductors need to respond to the music we are preparing at a primal, emotional, physical level and only then can we look at the technical features of the piece in order to decide how we can coerce our band to help realize the composer’s musical vision. (Or at least our understanding of the composer’s vision). This was Ralph’s message: always begin from our emotional reaction to the music and then use our training and technique to get the feeling across to the audience.
A Conductor’s Approach to Interpreting Transcriptions for Band
The Hong Kong Philharmonic Winds were the guest band for this session with Virginia Allen from Julliard. Shostakovich’s Festive Overture and Verdi’s La Forza Del Destino were chosen as examples of different approaches taken by arrangers/transcribers. Her message is that we should always compare the transcription to the original score and make sure that dynamic markings, instrumentation et al are in agreement with the original intentions of the composer. In trying to achieving this, she suggested that we should not be afraid to add elements which were inadvertently taken out by the transcriber (e.g. the triangle from certain parts of Festive Overture).
Einblicke in die Arbeit von Komponisten
Workshop vom Dienstag, 12.7
Eingeladen zu diesem Podiumsgespraech waren der Amerikaner Eric Ewazen, der Englaender Adam Gorb und der Japaner Yashuhide Ito. Man hatte aber die Runde kurz vor Beginn der Session um weitere 5 Komponisten vergroessert (Christopher Coleman und Frederick Speck aus den USA, Ralph Hultgren aus Australien, Christopher Marshall aus Neuseeland und Kelly Tang aus Hongkong), was zu einem interessanten Meinungsaustausch fuehrte. Die anwesenden Komponisten stellten sich zunaechst selbst vor und skizzierten dabei Ansaetze ihrer jeweiligen Aesthetik.
So wies Christopher Coleman darauf hin, dass es fuer jeden Komponisten notwendig sei, sich nach und nach von seinen Lehrern zu emanzipieren. Christopher Marshall unterstrich, dass es insofern interessanter sei, fuer sinfonisches Blasorchester zu komponieren, als ein Werk fuer diese Besetzung in der Regel wesentlich mehr Auffuehrungen erlebe als solche fuer Sinfonieorchester. Fuer Frederick Speck ist es bedeutsam, dass jeder Komponist seine eigene Musik liebt; nur so koenne kuenstlerische Authentizitaet entstehen. Zu dieser Authentizitaet sei auch der Dirigent verpflichtet. Eric Ewazen appellierte an die anwesenden Dirigenten, soviele neue Werke wie moeglich in Auftrag zu geben. Denn Komponisten und Dirigenten seien voneinander abhaengig; nur wenn laufend neue Musik entstehe, koenne Musik weitergehen. Adam Gorb zeigte das stilistische Spannungsverhaeltnis zwischen der meisten Literatur fuer Blasorchester und den aestethischen Tendenzen der Avantgarde im sinfonischen Bereich, wie namentlich die serialistische Tradition, auf. Er betonte, es sei fuer einen Komponisten wichtig, die letzteren Tendenzen zumindest kennen zu lernen, und sei es nur, um sie in der eigenen Arbeit zu ueberwinden. Ito Yashuhide erklaerte, er orientiere sich in seiner eigenen Musik teilweise an der europaeischen Musiktradition, weil diese ein starkes Formbewusstsein und viele tragfaehige musikalische Formmodelle hervorgebracht habe. Ralph Hultgren schliesslich unterstrich die Notwendigkeit, schon Kinder und Jugendliche in das Erlebnis konzertanter Musik einzubeziehen und immer auch Werke fuer junge Menschen zu komponieren.
Als Beispiele wurden Ausschnitte aus Itos Euphoniumkonzert, Gorbs Towards Nirwana und Ewazens Shadowcatcher vorgespielt. Aufgrund interessanter Fragen aus dem Publikum wurden weitere wesentliche kompositorische Problembereiche angeschnitten. So entstand eine Kontroverse bezueglich der Frage, ob man fuer die angemessene Interpretation eines Werkes die Persoenlichkeit des Komponisten vollstaendig kennen muesse, was Ralph Hultgrens Ansicht war, oder eher nicht, wozu eher Christopher Coleman tendierte. Bezueglich der Frage, wie bedeutsam stilistische Imperative fuer das zeitgenoessische Komponieren seien, fuehrte Adam Gorb aus, die Rolle heutiger Komponisten entspreche weniger jener des 19. Jahrhunderts, als vielmehr jener des 18. Jahrhunderts, in dem Komponisten tendenziell als Handwerker betrachtet wurden, die sich der gesellschaftlichen Funktion anpassen sollten, fuer die ein Musikstueck gedacht war (kirchliche Feier, weltlicher Anlass etc.).
Alles in allem ein gelungener Anlass, und trotz der begrenzten Zeit und der grossen Zahl anwesender Teilnehmer respektierte jeder Komponist seine Redezeit, was zu einem reichen Ideenaustausch fuehrte. Freilich blieben wirklich tiefe Einblicke in die kuenstlerische Motivation der anwesenden Kuenstler aus, was aber angesichts der kurzen Zeit von eineinhalb Stunden nicht verwunderte.
©2005 WASBE